fevereiro 2018 – Resenhando

Kadavar

Publicado em 27/02/2018 por Daniel Dutra.

Por Daniel Dutra | Fotos: Elizaveta Porodina/Divulgação

Com quatro discos de estúdio – Kadavar (2012), Abra Kadavar (2013), Berlin (2015) e Rough Times (2017) –, o Kadavar precisou de menos de uma década para se tornar um dos nomes mais bem falados de uma nova geração: bandas que bebem na fonte da música dos anos 70 para fazer um som retrô. Com as melhores referências possíveis – o rock pesado e os elementos psicodélicos de grupos como Led Zeppelin e, principalmente, Black Sabbath – e o talento de seus integrantes, o trio alemão formado por Christoph “Lupus” Lindemann (guitarra e vocal), Simon “Dragon” Bouteloup (baixo) e Christoph “Tiger” Bartelt (bateria) está longe de soar datado. Uma observação pertinente antes de você colocar os CDs para tocar como aquecimento para a turnê que, depois de passar por Uruguai, Argentina e Chile, chega ao Brasil para cinco datas: Rio de Grande do Sul (Santa Maria, 27/02), Minas Gerais (Belo Horizonte, 1º/03), Santa Catarina (Florianópolis, 02/03), São Paulo (03/03) e Rio de Janeiro (04/04). Como aperitivo, Lupus respondeu a algumas de nossas perguntas antes de o Kadavar mostrar mais uma vez a que veio.

O Kadavar tocou no Brasil pela primeira vez em 2015 e está de volta para uma turnê que passará por cinco cidades. Comecemos, então, com uma pergunta óbvia: qual a expectativa para a segunda vez?
Christoph “Lupus” Lindemann: Bem, creio que é a mesma da última vez. É uma grande honra poder viajar ao redor do mundo e chegar aos fãs da América do Sul para apresentar nossas músicas. Tivemos uma ótima experiência há três anos, então não espero menos do que isso.

E como foi a expectativa na primeira vez? Alguma frustração?
Lupus: Nós havíamos escutado de outras bandas que excursionar aí sempre foi ótimo, que as pessoas gostam muito de rock. Não houve absolutamente nenhuma decepção. Todos foram muito gentis, deram o seu máximo e queriam apenas se divertir conosco. É exatamente isso o que espero agora.

A partir do momento em que Rough Times frequentou listas de melhores álbuns de 2017 no Brasil, há o outro lado: a expectativa dos fãs está bem alta.
Lupus: Eu gosto de expectativas, porque tornam as coisas mais difíceis para mim (risos). É legal que as pessoas tenham gostado do novo álbum, porque foi muito divertido compor e produzir Rough Times. Mas isso é algo que fazemos sozinhos no estúdio, então agora queremos ver a reação dos fãs em nossos shows.

E Rough Times é pesado como sempre, mas como uma grande produção. Adorei o som de baixo, porque é cheio e orgânico, mas devo dizer que minha impressão foi a de que o Kadavar gravou seu álbum mais psicodélico até agora. Faz sentido?
Lupus: Há peso e psicodelia, canções bem diretas e algumas mais psicodélicas. Não tínhamos um conceito ou uma ideia de como o disco deveria soar, apenas que o título seria Rough Times, e compusemos as músicas basicamente na mesma ordem em que elas aparecem no álbum. No início, estávamos mais putos e queríamos deixar essa raiva transparecer, mas com o passar dos dias acabamos relaxando no estúdio. Ficamos mais leves e começamos a brincar com sonoridades e estruturas, então acho que essa leveza ficou muito bem equilibrada com as canções mais pesadas.

Essa veia psicodélica mais forte está bem representada em faixas como Tribulation Nation, A l’ombre du temps e The Lost Child, e todas têm elementos de rock progressivo, principalmente a última.
Lupus: Elas apenas aconteceram, realmente. Sempre gostei dessas partes mais progressivas em nossa música, por isso adoro quando temos muitas delas. Costumo ficar entediado rapidamente, assim passo a odiar as músicas que são muito fáceis. Em Rough Times decidimos não impor limites a nós mesmos, o que nos fez usar qualquer tipo de som ou instrumentos que achássemos necessários para fazer dele um álbum diferente de todos os outros.

A propósito, a letra de A l’ombre du temps é em francês, e no disco anterior, Berlin, vocês gravaram Reich der Träume (N.R.: cover da cantora alemã Nico). Alguma razão especial?
Lupus: Apenas porque somos uma banda alemã que lançou um disco chamado Berlin, então precisávamos que ao menos uma música fosse cantada em alemão. Caso contrário, seríamos turistas em nosso próprio país (risos). No caso de A l’ombre du temps, nosso baixista, Simon, é francês, e nós queríamos fazer algo do tipo. Tivemos a ideia certa no momento certo, porque achamos que, no fim das contas, daria um sabor diferente ao disco.

Gostaria de citar algumas músicas de Rough Times para que você comente minhas impressões. E a primeira é Die Baby Die, por causa de seu refrão viciante e ótimo groove.
Lupus: Ela surgiu na minha mente num dia qualquer e é, na verdade, uma canção bem simples, baseada na batida e no baixo. Minha guitarra é apenas a última camada, aquela que fica por cima. Remete a uma sonoridade anos 60, realmente com muito groove. Curiosamente, eu tinha outro refrão para esta música, mas estava cantando o que ficou enquanto terminava de compor, então os rapazes disseram que eu deveria mantê-la. Mantivemos e mudamos o nome para Die Baby Die.

A segunda é Worlds of Evil, que tem não apenas ótimos riffs de guitarra, mas uma produção mais limpa, diferente da sonoridade das outras músicas do álbum.
Lupus: Esta foi a única canção que compusemos bem antes de Rough Times, creio que há uns dois anos. Deve ser por isso que soa um pouco diferente, e ela foi feita com base em alguma revista em quadrinho relacionada à série “The Walking Dead”. Não lembro exatamente qual. Worlds of Evil é uma música muito New Wave of British Heavy Metal.

A próxima é You Found the Best in Me, uma bela música que deveria tocar nas rádios. Em um mundo ideal, ela poderia levar o Kadavar a outro nível de sucesso comercial…
Lupus: Sim! Talvez um dia as rádios toquem nossas músicas, mas elas ainda odeiam o nome da banda. Acredite, não chegaremos a esse nível de sucesso comercial se não mudarmos. You Found the Best in Me tem algo de Neil Young, e lembro que a compusemos em apenas duas ou três horas. Ela surgiu muito naturalmente, mas num primeiro momento pensamos que seria melhor não incluí-la no álbum, porque não soa como Kadavar. Honestamente, no entanto, depois de quatro discos eu mesmo não sei mais como soamos. Decidimos colocá-la, e encaixou perfeitamente.

Vocês gravaram uma versão de Helter Skelter. Ela é muito conhecida, e muitos dizem tratar-se da primeira canção de heavy metal na história, não que os Beatles tivessem a intenção de criar o estilo. Mas por que vocês a escolheram?
Lupus: Porque é uma boa canção, mesmo. Além disso, costumamos tocá-la ao vivo e já havíamos feito isso para uma estação de rádio em Berlim. Como a gravadora queria uma faixa bônus, mas não tínhamos nada inédito, optamos por uma versão bem suja de Helter Skelter. A verdade é que ninguém tem a menor chance de fazer melhor quando grava um cover dos Beatles, mas gosto do som de garagem da nossa versão.

Vocês gravaram três videoclipes até o momento, e o de Into the Wormhole tem cenas bem fortes. Qual a mensagem que tentaram passar?
Lupus: A mensagem é que não há mensagem. O cara que você vê no clipe é David Sphaèros, vocalista do Aqua Nebula Oscillator, antiga banda do Simon. Ele mora naquela caverna com todas aquelas criaturas e bonecos que você também vê no vídeo, então a música é sobre o David. Encontramos um amigo que já havia feito alguns videoclipes com ele, e os dois toparam fazer mais um quando perguntamos se seria possível.

O press release de Rough Times tem uma definição interessante: ‘É normal que as pessoas queiram colocá-lo em alguma caixa, e é nosso trabalho criar a nossa própria e chamá-la de Kadavar’. De fato, as pessoas rotulam o som da banda como stoner, mas como você o chamaria?
Lupus: Não é algo que eu tenha de fazer. Apenas toco música e faço a minha arte. Se as pessoas gostam, legal. Se elas não gostam, legal também. Toco rock’n’roll, apenas isso.

Dito isso e considerando a trajetória do Kadavar de 2010 até hoje, como você descreveria cada um dos discos da banda?
Lupus: Nosso álbum de estreia, Kadavar, não é de todo ruim, mas nossa performance é descuidada e ingênua. Talvez seja essa a razão por que as pessoas gostam dele. Abra Kadavar mudou muitas coisas para a banda. Foi nosso primeiro trabalho na Nuclear Blast, e o lançamos apenas um ano depois de Kadavar, então acho que deveríamos ter gastado mais tempo nele. Berlin é nosso único disco experimental. Foi gravado, mixado e masterizado por terceiros (N.R.: Pelle Gunnerfeldt e Robin Schmidt). Gosto das músicas, mas aquele som não é verdadeiramente nosso. Funcionou apenas em algumas faixas. Rough Times foi produzido por nós mesmos, novamente, e gravado em nosso estúdio. É o melhor trabalho que fizemos até agora.

Nos últimos anos surgiram vários grupos inspirados nos grandes nomes que começaram tudo. Kadavar, Vintage Trouble, The Vintage Caravan, Blues Pills, Rival Sons, Radio Moscow, Inglorious… Alguns são mais pesados, outros mais ‘bluesy’, mas o foco principal é o rock’n’roll. Como você explicaria isso?
Lupus: Eu não sei. Creio que as pessoas gostam de música feita à mão, orgânica, e pode ser que essa onda tenha começado muito antes das bandas que você citou, porque não conheço todas elas. Quando o Wolfmother lançou seu primeiro disco, em 2005, e o Witchcraft também, na mesma época (N.R.: em 2004, e os dois álbuns são autointitulados), eu me apaixonei por esse som honesto e analógico. Queria fazer igual, mas levei cinco anos para encontrar as pessoas certas (N.R.: o primeiro baixista do Kadavar foi Philipp “Mammut” Lippitz, substituído em 2013 por Simon “Dragon” Bouteloup).

E os grandes nomes que serviram de inspiração estão aos poucos nos deixando. Em cinco ou dez anos, a maioria das bandas que crescemos ouvindo não estará mais na ativa. Que futuro a música reserva para a geração na qual o Kadavar está incluído? Para você, é uma transição normal ou um grande desafio ocupar esse espaço?
Lupus: Honestamente, eu não me importo. Assim como as ondas, a arte emerge e desaparece para emergir e desaparecer novamente, e assim por diante. Vou surfar essa onda enquanto puder e estiver me divertindo. Viajo ao redor do mundo com meus melhores amigos e tenho a chance de encontrar pessoas incríveis, mas vai chegar o dia em que isso tudo terá um fim. Não sei quando, mas alguns anos depois novas bandas darão sequência ao que foi feito antes. Elas continuarão no caminho que nós já percorremos e provavelmente serão muito melhores do que as atuais.

Clique aqui para acessar a entrevista original no site da Roadie Crew.

Foo Fighters

Publicado em 27/02/2018 por Daniel Dutra.

Por Daniel Dutra | Fotos: Alessandra Tolc

Setenta e duas horas depois de ser tomado por Phil Collins e The Pretenders, o Maracanã voltou a receber um grande evento de música – e o estádio voltará a ser o principal palco carioca de jogos de futebol quando os clubes não tiverem de pagar para jogar lá, mas essa é outra história. O fato é que o gramado virou pista de dança e de pula-pula em dois dias para agradar a quase todos. E o “quase” exatamente fica por conta da noite de domingo, cujo anfitrião, Foo Fighters, mostrou por que é a maior das últimas bandas de rock de arena.

A entrada coube ao Ego Kill Talent, banda paulista que já havia feito bonito no Palco Sunset da edição 2017 do Rock in Rio. E Jonathan Correa (vocal), Niper Boaventura e Theo van der Loo (guitarra e baixo), Raphael Miranda (baixo e bateria) e Jean Dolabella (bateria e guitarra) confirmaram o que havia ficado claro pouco mais de cinco meses atrás: fosse um grupo gringo, a caminhada seria mais fácil e rápida. O rock do quinteto transita com fluência entre o peso, o pop e o moderno, e nem mesmo a constante troca de instrumentos entre os integrantes durante o show é capaz de quebrar a dinâmica.

Just to Call You Mine abriu o set de 30 minutos, e a boa recepção da plateia acabou sendo o melhor presente que a banda poderia receber – ainda mais para quem, como lembrou Correa, há três anos estava naquela mesma pista para assistir ao Foo Fighters. Belo exemplo de heavy metal moderno, a ótima Sublimated acabou sendo ofuscada pela canção que mostra definitivamente a eficiência do Ego Kill Talent em compor música boa para tocar em rádio: We All. Sem querer desmerecer Heroes, Kings and Gods e, última da apresentação, Last Ride, duas peças tipo exportação.

E veio o Queens of the Stone Age… Bom, não há outra maneira de resumir – e resumir educadamente – o show da banda liderada pelo vocalista e guitarrista Josh Homme: para ficar chato ainda tem de melhorar muito. If I Had a Tail foi apenas o prenúncio de um sofrimento que só teve fim depois de uma hora e 15 minutos. O sentimento de déjà vu na música do quinteto – completado por Troy Van Leeuwen (guitarra), Michael Shuman (baixo), Dean Fertita (guitarra) e Jon Theodore (bateria) – não ajudou em nada, assim como também não ajudou pensar em The White Stripes em canções como Smooth Sailing. É fato: não há remédio para chatice.

Feet Don’t Fail Me, Make it Wit Chu, Domesticated Animals, Villains of Circumstance e The Lost Art of Keeping a Secret… Estivesse você no trabalho, seria caso de receber adicional de insalubridade. E You Think I Ain’t Worth a Dollar, But I Feel Like a Millionaire? Sabe aquele seu amigo que diz que tal banda de thrash, death ou black metal é barulho mal feito? Ele deveria ouvir a canção presente no álbum Songs for the Deaf (2002) – título autoexplicativo, diga-se. No entanto, e para não dizer que foi sempre um martírio, The Way You Used to Do e Little Sister soaram razoavelmente bem ao vivo, assim como o hit No One Knows não foi de todo ruim, apesar do desnecessário solo de bateria – e levantou o público, obviamente. Havia mesmo um bom número de fãs do QOTSA, afinal, poucas coisas são tão democráticas como a música.

Sim, foi um show muito chato o do grupo americano, mas felizmente o compatriota Foo Fighters colocou a coisa no seu devido lugar. E foi diferente desde os primeiros acordes de Run, do mais recente disco da banda, Concrete and Gold (2017), porque foi uma música nova na ponta de língua das 30 mil pessoas presentes no Maracanã – e foram mais três recém-saídas do forno: a excelente The Sky is a Neighborhood, Sunday Rain (cantada pelo batera Taylor Hawkins) e Make it Right. Apesar de a reação a elas não ter sido tão calorosa, também não foi o caso de deixar a peteca cair.

Mas a levada contagiante de Run, como se tivesse saído de um estudo de ritmos brasileiros, foi o aquecimento ideal para All My Life e Learn to Fly, que obviamente acirraram para o bem o ânimo dos fãs. E com um baita sorriso no rosto, lá estava Dave Grohl, correndo de um lado para o outro, batendo cabeça, em vários momentos se esgoelando ao cantar… É preciso tirar o chapéu para esse cara. Não apenas por ser, sejamos sinceros, o único talento que havia naquele negócio chamado Nirvana, mas também por não esquecer o que o motivou a chegar ao status que hoje ostenta: o de um autêntico rock star.

E se serve para refrescar a memória, lembre-se do Probot. Apesar de o álbum homônimo do projeto lançado em 2004 não ter ficado à altura das expectativas, foi ele quem, num período de baixa para o heavy metal, juntou gente como Lemmy, King Diamond, Cronos, Lee Dorrian e Tom Warrior, entre outros, num projeto que chamou a atenção do mainstream. Grohl é o sujeito que, no próprio show de aniversário, chama Paul Stanley, David Lee Roth e Zakk Wylde ao palco para tocar músicas do KISS, Van Halen e Black Sabbath. Tem que respeitar. Simples assim.

Tão simples como The Pretender, Rope, My Hero e These Days são funcionais e, melhor ainda, têm mais pegada ao vivo. Mas Grohl não é o único a brilhar, até porque cede muito espaço a Chris Shiflett e Pat Smear (guitarras), Nate Mendel (baixo), Rami Jaffee (teclados) e Taylor Hawkins, seu fiel escudeiro. Depois da catarse em Breakout, com uma participação do público que foi de arrepiar, a apresentação da banda se transformou numa festa. Se Jaffee tocou umas melodias progressivas – “Isso é algo que vocês nunca vão ouvir num álbum do Foo Fighters”, brincou o chefe –, o restante foi na base do rock’n’roll.

Shiflett, que várias vezes usou uma Gibson amarela com um adesivo do rosto de Ace Frehley, assumiu o microfone numa boa versão de Under My Wheels, de Alice Cooper – falta aos fãs, no entanto, fazer o dever de casa e descobrir as raízes da banda que tanto adora. Mendel puxou Another One Bites the Dust, do Queen, e também no improviso rolou Blitzkrieg Bop, do Ramones, pelas mãos do ovacionado Smear. Ao brincar com Love of My Life – afinal, segundo Grohl, estávamos todos num Rock in Rio –, Hawkins entregou o que muitos já esperavam: uma versão de Under Pressure com ele no vocal e Grohl na bateria. Ah, sim: durante o solo de Hawkins, em Sunday Rain, o praticável virou um elevador no melhor estilo Peter Criss, Eric Carr e Eric Singer. Ou seja, qualquer semelhança com o KISS não é mera coincidência.

Encerradas as homenagens, a trinca Monkey Wrench, Times Like These e Best of You colocou mais uma vez o Maracanã abaixo. É impressionante a quantidade de hits – e hits de qualidade indiscutível – que tem o Foo Fighters, mas o melhor ainda estava por vir. Coube a velharias a abertura do bis – This is a Call, do primeiro e autointitulado disco, lançado em 2005 – o encerramento da noite – Everlong, do segundo álbum, The Colour and the Shape (1997) –, mas foi o recheio que valeu o ingresso.

Em uma sincera e emocionante ode a Malcom Young, com direito a imagem do saudoso guitarrista no telão de fundo, a banda mandou ver numa arrasadora versão de Let There Be Rock. Da mesma forma que havia feito no México em 18 de novembro de 2017, mesmo dia em que a alma e o coração do AC/DC morreu. “Deus o abençoe, Malcom”, disse Grohl olhando para o telão e mandando um beijo para a imagem do maior guitarrista base da história do rock. Porque Grohl sabe que sem as raízes fincadas por bandas como o AC/DC ele não estaria fazendo o que faz muito bem: rock’n’roll.

Set list Foo Fighters
1. Run
2. All My Life
3. Learn to Fly
4. The Pretender
5. The Sky is a Neighborhood
6. Rope
7. Sunday Rain
8. My Hero
9. These Days
10. Walk
11. Breakout
12. Make it Right
13. Under My Wheels
14. Another One Bites the Dust / Blitzkrieg Bop / Love of My Life
15. Under Pressure
16. Monkey Wrench
17. Times Like These
18. Best of You
Bis
19. This is a Call
20. Let There Be Rock
21. Everlong

Set list Queens of the Stone Age
1. If I Had a Tail
2. Smooth Sailing
3. My God is the Sun
4. Feet Don’t Fail Me
5. The Way You Used to Do
6. You Think I Ain’t Worth a Dollar, But I Feel Like a Millionaire
7. No One Knows
8. The Evil Has Landed
9. I Sat By the Ocean
10. Make it Wit Chu
11. Domesticated Animals
12. Villains of Circumstance
13. Little Sister
14. The Lost Art of Keeping a Secret
15. Go With the Flow
16. A Song for the Dead

Set list Ego Kill Talent
1. Just to Call You Mine
2. Sublimated
3. We All
4. The Searcher
5. Heroes, Kings and Gods
6. Still Here
7. Last Ride

Clique aqui para acessar a resenha no site da Roadie Crew.

Phil Collins

Publicado em 24/02/2018 por Daniel Dutra.

Por Daniel Dutra | Fotos: Daniel Croce

O amigo leitor pode estranhar a presença de Phil Collins na Roadie Crew, mas uma rápida pesquisa em edições passadas mostra que a cobertura de sua primeira passagem pelo Brasil é mais do que justificável. Na ed. #200 da revista, ele figurou entre os 50 maiores bateristas do rock numa pesquisa realizada entre jornalistas, músicos e profissionais do meio. Acha pouco? E a marcante passagem pelo Genesis? Para o bem ou para mal, e isso depende do quão xiita é o fã, o fato é que ele marcou uma era na banda inglesa de rock progressivo. Para terminar, a música pop dos anos 80… Bom, vamos por partes.

Coube ao The Pretenders, a eterna banda de Chrissie Hynde, a tarefa de aquecer um público – 43 mil pessoas, segundo a organização – que saiu de casa para se divertir carregando a expectativa de ter que voltar para casa de bote, graças à previsão de uma chuva de proporções bíblicas para aquela noite de quinta-feira. E a vocalista e guitarrista conseguiu, em uma hora, entreter pista, arquibancada e camarotes com uma boa dose de baladas e rock’n’roll, incluindo hits. Houve espaço para a faixa-título do mais recente álbum, Alone (2016), e covers muito bem escolhidos, Stop Your Sobbing (The Kinks) e Forever Young (Bob Dylan), embora estes não tenham recebido a correta valorização da plateia.

Curiosamente, foi justamente com Alone, rock de primeira qualidade, que Chrissie fez o mea-culpa por causa do excesso de baladas que, a bem da verdade, quebravam um pouco da dinâmica da apresentação. Mesmo que algumas delas tenham sido bem agradáveis, como Hymn to Her, justamente a que havia sido tocada antes, com uma vela interpretação da vocalista – que, diga-se, poderia fazer algum incauto pensar, numa rápida passada de olho no palco, pensar que era David Coverdale ao lado de James Walbourne (guitarra), Nick Wilkinson (baixo), Carwyn Ellis (teclados) e Martin Chambers (bateria), único integrante da formação original ao lado de Chrissie.

Canções como Message of Love, Boots of Chinese Plastic e Night in My Veins mostraram qual era o nível da música pop feita nos anos 80, mas foram os hits, todos (quase) muito bem espalhados no repertório, que nos mostraram, mais uma vez, que éramos felizes e não sabíamos. Back on the Chain Gang, I’ll Stand By You e Don’t Get Me Wrong fizeram com que muita gente mexesse os pés e soltasse a voz num público predominantemente de pessoas acima dos 40 anos. E teve Middle of the Road, claro. Provocou êxtase e poderia ter sido o ápice da apresentação não fosse a escolha de Brass in Pocket para fechar o set. Apesar do anticlímax, um show que valeu para matar a saudade de uma banda que não colocava os pés no Brasil há 30 anos, desde o finado Hollywood Rock. E que deu aquela vontade de ver o Pretenders num local menor.

E havia chegado a hora de Phil Collins. Em sua turnê Not Dead Yet – mesmo nome da autobiografia, lançada em 2016 –, ele voltava ao Brasil depois de uma única passagem por aqui, em 1977, com o Genesis. E foi impossível evitar o ar de melancolia ao vê-lo debilitado fisicamente, ao vê-lo entrar no palco caminhando com dificuldade e com a ajuda de uma bengala. Sem tocar bateria desde 2009, em virtude de um problema numa vértebra do pescoço, ele hoje sofre com a perda de sensibilidade na mão esquerda e de movimentos em um dos pés. No entanto, tal sentimento acabou com as primeiras notas de Against All Odds (Take a Look at Me Now), e nem seria preciso apelar na sequência, com Another Day in Paradise.

Sentado durante todo o show, Collins mostrou não apenas ainda estar com a garganta em dia, mas que é um compositor de primeira linha. Perdoemos aqueles que o criticavam pela alta dosagem de açúcar em suas músicas, porque I Missed Again, do ótimo Face Value (1981), o álbum de estreia na carreira solo, e Hang in Long Enough, de …But Seriously (1989), ressaltaram a pobreza da música pop feita hoje em dia. Ao vivo, os arranjos de metais – cortesia de George Shelby (saxofone), Luis Bonilla (trombone) e Harry Kim e Dan Fornero (trompete) – ficaram ainda melhores.

O vocalista, diga-se, montou um time de primeira linha para acompanhá-lo no palco. A começar pelos veteranos Leland Sklar (baixo) e Daryl Stuermer (guitarra), este companheiro do vocalista também no Genesis; incluindo Ronnie Caryl (guitarra), Brad Cole (teclados) e Luis Conte (percussão); e terminando num fabuloso quarteto de backing vocals – formado por Amy Keys, Bridgette Bryant, Arnold McCuller e Lamont van Hook – e no batera Nicholas Collins, de 16 anos e cujo sobrenome não nega: filho de Collins.

O groove de Wake Up Call, de Testify (2002) abriu caminho para as duas primeiras do Genesis na noite: Throwing it All Away, de Invisible Touch (1986), e Follow You, Follow Me, de …And Then There Were Three… (1978). Àquela altura pouco importava a controvérsia sobre a participação de Collins na transformação sonora de um dois principais nomes do rock progressivo, porque foi emocionante assistir às imagens no telão, passando visualmente a limpo a história do Genesis com Collins, Steve Hackett, Peter Gabriel, Tony Banks e Mike Rutherford.

Amy Keys, Bridgette Bryant, Arnold McCuller e Lamont van Hook

A animação de Only You Know and I Know, de No Jacket Required (1985), foi um contraste a Separate Lives, cover de Stephen Bishop que Collins gravou para a trilha sonora de “O Sol da Meia-Noite” (1985). Poderia ter dado lugar a One More Night, por exemplo, mas o dueto com Bridgette Bryant acabou justificando a inclusão no repertório. De qualquer maneira, foi uma covardia o que aconteceu daí para frente. Mais uma de …But Seriously, Something Happened on the Way to Heaven colocou todo mundo para dançar. Que refrão! Que groove! Que arranjo de metais!

O sorriso ficou definitivamente estampado no rosto dos fãs com a obra-prima In the Air Tonight, que ao vivo mostrou o que muitos esquecem: é rock progressivo até o talo, e a felicidade por ouvi-la ao vivo teria sido acompanhada por lágrimas se atrás da bateria estivesse o próprio Collins, um dos maiores nomes do instrumento. Mas foi, no entanto, uma experiência única ver o seu filho tocá-la perfeitamente, e o garoto tem todos os trejeitos do pai.

You Can’t Hurry Love, cover do The Supremes gravada em Hello, I Must Be Going! (1982), e Dance Into the Light, do álbum homônimo lançado em 1996, mantiveram o alto astral do show e preparam para um encerramento apoteótico. Invisible Touch, do Genesis, e Easy Lover, parceria de Collins com Philip Bailey, vocalista do Earth, Wind & Fire, ficaram espetaculares. E como se fosse possível melhorar a versão gravada em Chinese Wall, terceiro disco solo de Bailey, Easy Lover entrou facilmente no rol de momentos inesquecíveis. Por um momento, em meio à catarse, parecia que Collins queria levantar da cadeira para acompanhar o quarteto de vozes, que foi para frente do palco. Dividindo os vocais com Amy Keys e Arnold McCuller, Collins era a imagem da felicidade. Um espelho do que vinha da plateia.

Em uma versão obviamente não pasteurizada se comparada à de estúdio, Sussudio, de No Jacket Required, encerrou o set regular com direito a uma chuva de confete e serpentina para enfeitar a pista de dança na qual o Maracanã havia se transformado. Do mesmo álbum, Take Me Home foi o tradicional encerramento. Com seu refrão cantado por quem estava feliz da vida, foi o bis que marcou a saída de Phil Collins sob efusivos aplausos. E foi o encerramento que ratificou uma coisa: felizes são aqueles que têm como referência o pop e o rock feitos nos anos 80. Afinal, hoje em dia a falta de qualidade da música e a ausência de talento dos artistas precisam ser camufladas por polêmicas. Tipo orientação sexual ou se a bunda tem ou não celulite.

Set list Phil Collins
1. Against All Odds (Take a Look at Me Now)
2. Another Day in Paradise
3. I Missed Again
4. Hang in Long Enough
5. Wake Up Call
6. Throwing it All Away
7. Follow You, Follow Me
8. Only You Know and I Know
9. Separate Lives
10. Something Happened on the Way to Heaven
11. In the Air Tonight
12. You Can’t Hurry Love
13. Dance Into the Light
14. Invisible Touch
15. Easy Lover
16. Sussudio
Bis
17. Take Me Home

Set list The Pretenders
1. Don’t Cut Your Hair
2. Talk of the Town
3. Back on the Chain Gang
4. Message of Love
5. Boots of Chinese Plastic
6. Private Life
7. Hymn to Her
8. Alone
9. Stop Your Sobbing
10. I’ll Stand By You
11. Forever Young
12. Don’t Get Me Wrong
13. Night in My Veins
14. Middle of the Road
15. Brass in Pocket

Clique aqui para acessar a resenha no site da Roadie Crew.

Epica

Publicado em 13/02/2018 por Daniel Dutra.

Por Daniel Dutra | Fotos: Tim Tronckoe/Divulgação

É tão certo quanto os arranjos orquestrais em suas músicas: desde a turnê de Consign to Oblivion que o Epica bate ponto no Brasil para promover todo e qualquer álbum de estúdio que lance. Da primeira vez, em dezembro de 2005, até o giro que começa no início de março, o currículo terá nada menos que sete passagens pelo país – incluindo até mesmo uma edição do Epica Metal Fest, em 2016. Desta vez, a relação de amor com os fãs brasileiros resultou na maior turnê da banda holandesa por aqui, com nada menos do que oito shows: Belo Horizonte (09/03), São Paulo (10/03), Rio de Janeiro (11/03), Porto Alegre (13/03), Curitiba (14/03), Manaus (16/03), Fortaleza (17/03) e Recife (18/03). Simone Simons (vocal), Mark Jansen (guitarra e vocais), Isaac Delahaye (guitarra), Rob van der Loo (baixo), Coen Janssen (teclados) e Ariën van Weesenbeek (bateria) levam para mais fãs a The Ultimate Principle Tour – baseada em seu trabalho mais recente, The Holographic Principle (2016), que rendeu o EP The Solace System (2017) –, e nós levamos até você algumas palavras de Simone sobre isso e mais um pouco. Boa leitura.

A relação do Epica com o Brasil começou a ser construída em 2005, e a banda nunca mais parou de vir aqui. Há uma conexão, obviamente, mas o que a torna especial para você?
Simone Simons: Vamos ao Brasil praticamente desde o começo da banda, e o mais legal é que os fãs sempre foram loucos pelo Epica. Posso dizer que foi um choque cultural para nós quando fomos pela primeira vez, porque os brasileiros são muito apaixonados, gostam do contato com os ídolos, e os holandeses são um pouco diferentes (risos). Havia fãs nos esperando em aeroportos, o que foi surreal para nós. Os brasileiros nos amam, e nós também os amamos, por isso fico feliz por poder voltar sempre. Fico ainda mais feliz porque desta vez vamos fazer uma turnê ainda maior.

Sobre essa paixão, lembro-me da primeira vez que o Epica tocou no Rio de Janeiro. Acompanhei a banda como assessor de imprensa do produtor local e, apesar de o Kamelot ser o headliner, o público foi insano no show. Vocês estavam nas nuvens depois da apresentação…
Simone: (rindo) Sim, é verdade! Foi em 2005, mas acredito que tocamos no Brasil antes disso, não?

Na verdade, não. Foi a primeira turnê do Epica no país, e não dá para esquecer o público cantando Cry for the Moon de maneira ensurdecedora…
Simone: Você tem razão, porque fomos com o Kamelot para uma turnê conjunta. Faz muito tempo, mas lembro-me bem. Meu marido toca no Kamelot (N.R.: o tecladista Oliver Palotai), então foi uma viagem especial para mim. Cantei The Haunting (Somewhere in Time) com o Roy Khan no show do Kamelot, que era tipo a minha segunda banda à época. E foi exatamente nesta primeira vez que vimos como os fãs brasileiros são devotados ao Epica, porque a recepção que tivemos foi inacreditável. Como você bem lembrou, Cry for the Moon foi um momento impressionante do show. Definitivamente, o Brasil é um belo país com pessoas bonitas, e somos afortunados por ter uma base de fãs tão sólida aí. Não tem como não ser feliz ao ter esse carinho dos brasileiros (risos).

Mas o Epica fez por onde, também. Foram quatro cidades logo na primeira turnê de uma banda que tinha apenas três anos de idade. Antes, você e Coen ainda se apresentaram num programa de TV para promover os shows.
Simone: É verdade! Lembro-me disso! Programa do Jô, certo?

Exatamente. Foram duas músicas, Solitary Ground e Linger.
Simone: E também lembro que estávamos bem nervosos (risos). Não gostamos muito de tocar em programas de TV, porque saber que milhares de pessoas estão assistindo só ajuda a aumentar o nervosismo (risos).

Você mesma lembrou que esta turnê em 2018 será a maior no Brasil, e ela inclui três cidades onde o Epica nunca esteve, Manaus, Fortaleza e Recife. Ou seja, a banda continua crescendo no país.
Simone: Isso é incrível. Costumamos ir para Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte, Porto Alegre e Curitiba, e posso dizer que as minhas cidades favoritas são Rio, porque tem praias e eu adoro praia (risos), e São Paulo, porque sempre vamos para lá. Manaus, Fortaleza e Recife são territórios desconhecidos para nós, então estou curiosa para ver como serão os shows. Uma coisa é certa: depois dessa turnê talvez eu seja capaz de falar um pouco de português (risos).

Como a banda levou o Epica Metal Fest para São Paulo em 2016, haverá alguma mudança nos shows desta vez?
Simone: Creio que não, mas serão os melhores shows do Epica, porque será uma turnê de headliner. A energia da banda no palco é sempre no nível máximo, mas tocaremos por uma hora e meia, então o setlist será maior. Além disso, haverá pacotes VIP de ‘meet and greet’, ou seja, poderemos interagir com alguns fãs antes dos shows. Ah, e vamos beber muitas caipirinhas! (risos)

Um mês depois da turnê no Brasil, o Epica fará uma apresentação especial em casa (N.R.: dia 14 de abril, em Tilburg) para celebrar a marca de mil shows na carreira. Vocês vão gravar para lançar em DVD, como Retrospect (N.R.: ao vivo da noite comemorativa de dez anos de banda)?
Simone: Não vamos gravar todo o show, talvez apenas partes dele. O planejamento para gravar um show e lançá-lo em DVD não pode incluir um festival, porque será um dia longo e, honestamente, o público estará cansado quando subirmos ao palco. Lembro-me das vezes que tocamos no Metal Female Voices Fest (N.R.: festival na Bélgica que teve edições de 2003 a 2016, e o Epica participou em 2003, 2004, 2005, 2007, 2008, 2009, 2010 e 2012), porque começava às onze horas da manhã. Quando o headliner começava o seu show, os fãs já estavam fisicamente esgotados. Mas o evento em Tilburg será especial, porque Lacuna Coil, Myrkur, Mayan, Oceans of Slumber e Nightmare serão nossos convidados, e o mais interessante é que antes o Myrkur abrirá nossos shows na turnê pelo Reino Unido (N.R.: seis datas, entre 6 e 13 de abril). Nunca havia ouvido falar dela (N.R.: Simone refere-se à vocalista Amalie Bruun, mentora do Myrkur), mas todos dizem que é muito talentosa, uma revelação, então estou curiosa para vê-la ao vivo. Bom, preciso pesquisar um pouco mais, pois tudo que sei é que ela é dinamarquesa (risos). Enfim, será um minifestival no qual seremos a atração principal e teremos alguns convidados especiais, e fico particularmente feliz porque o Lacuna Coil vai participar.

Ah, sim. As redes sociais mostram que você e Cristina Scabbia têm um bom relacionamento.
Simone: (rindo). É verdade. Cristina e eu somos grandes amigas.

O Epica mal lançou The Solace System e já soltou um novo EP, Epica vs. Attack on Titan Songs, mas este é algo completamente diferente para a banda (N.R.: A banda fez versões heavy metal das músicas de abertura do anime Attack on Titan – no original, Shingeki no Kyojin). O que você pode falar sobre ele?
Simone: O compositor do tema principal do desenho, não os criadores da série, é um grande fã do Epica, então entrou em contato conosco há algum tempo para fazer o convite. Devo admitir que não sou muito fã de animes ou mangás, mas lembro-me que nossa primeira ida ao Japão foi como se estivéssemos realizando um sonho (N.R.: em 2003). Achamos que seria legal fazer o EP porque sairíamos da nossa zona de conforto, então sentamos para assistir à série e fazer algumas pesquisas, depois adaptamos as letras para o inglês e fomos gravar com o Joost van den Broek, que produziu nossos álbuns mais recentes (N.R. The Quantum Enigma, de 2014, e The Holographic Principle). E foi muito divertido. Aquelas músicas são rápidas demais, então tivemos de desacelerá-las um pouco porque, caso contrário, não conseguiríamos tocá-las (risos). Particularmente, fiquei muito feliz porque minhas performances naquelas canções estão entre as melhores que já fiz. Aliás, hoje é o dia oficial do lançamento do EP (N.R.: a entrevista foi realizada em 20 de dezembro).

Sim, e tentei escutá-lo antes desta entrevista, mas ainda não está disponível no Spotify.
Simone: Eu sei, porque fui checar pela manhã e também não encontrei (risos). Mas pelo menos eu tenho as músicas no meu computador (risos).

Falando em internet, você é bem ativa nas redes sociais, e o interessante é que o foco são dicas de maquiagem e fotografia, por exemplo. Até a minha esposa segue você, e fico imaginando quantas pessoas não sabem que se trata de uma vocalista numa banda de heavy metal…
Simone: (rindo) Ah, é verdade que sou ‘heavy user’ de Instagram e Twitter, meus canais principais. Não gosto do Facebook, que é linkado ao meu Instagram. Ou seja, o que entra são as fotos que posto no Instagram, porque não costumo abrir o Facebook para ficar lendo o que está lá. A razão de eu gostar mais de Instagram e Twitter não é apenas porque são compactos, mas porque nas duas há mais coisas positivas do que negativas. Claro, eu curto mensagens mais curtas e adoro fotos, então sempre que estou com vontade escrevo alguma coisa e promovo meu trabalho como fotógrafa. Como não sou de falar ou ler muito, então é legal fazer um Q&A (N.R.: perguntas e respostas) no Twitter ou um Live no Instagram. Faço quando tenho vontade, e os fãs dizem que gostam. Apenas tenho que estar no clima, porque ser for planejado acaba não funcionando direito. Tem que ser espontâneo, mas é uma boa maneira de interagir com os fãs. Conheci muitos que me seguem nas redes sociais e depois vão aos shows, então vira uma família Epica (risos). Apesar de eu vestir muitas roupas pretas, vários não sabem que sou uma cantora de heavy metal (risos). Tem a história de um fã que, por causa das minhas postagens, achou que eu cantava música country (risos). No fim das contas, considero-me uma artista mais do que uma musicista, porque gosto bastante de arte. Moda, maquiagens, fotografia e coisas bem visuais.

A jornada do Epica já dura 16 anos, e no início você era uma adolescente à frente de uma banda de heavy metal. Hoje o Epica é uma referência no estilo, e você, uma das vocalistas mais respeitadas do estilo e também mãe. Já se pegou pensando em como a sua vida mudou?
Simone: Na verdade, não, e agora que você falou… É incrível, realmente. O Epica é muito bem-sucedido, e as pessoas adoram o que fazemos, mas no fim do dia eu sou mãe, como você bem lembrou, e também esposa (risos). Tenho uma casa para cuidar, então preciso cozinhar, fazer limpeza e todas as coisas comuns que todo mundo faz. A diferença é que quando estou no palco todos estão olhando para mim, então é um contraste muito forte. Desde que me tornei mãe o mundo ficou diferente para mim. Levo o meu filho (N.R.: Vincent Palotai, de quatro anos) para a escola e para praticar esportes, depois vou pegá-lo, à noite o coloco para dormir… É o lado contrário do rock’n’roll (risos). Tenho dois mundos, amo ambos da mesma maneira e sinto-me afortunada pelo Epica continuar crescendo e indo tão bem. Nós trabalhamos muito duro, mas temos fãs realmente leais, e é mesmo incrível perceber que já são quase 17 anos de banda. O tempo passa rápido demais.

Mas você e o Epica ainda têm muito pela frente, então o que você ainda sonha alcançar?
Simone: Como artista, há algumas pessoas com as quais eu gostaria de trabalhar, mas num material solo. Talvez cantar num filme, fazendo a trilha sonora dele. No lado pessoal, gostaria de ter uma casa algum dia (risos). Tenho um apartamento, mas a cidade onde moramos (N.R.: Stuttgart, na Alemanha) é muito cara. Temos família, amigos e escola em nossa região, mas não quero morar aqui por muito tempo, só que gostaria de ficar próxima de Stuttgart também pela facilidade de ir ao aeroporto ou à estação de trem. Porque não dá para ir morar no meio do nada (risos). Resumindo, trabalhar com alguns artistas fora do Epica, gravar a trilha sonora de um filme e ter a minha própria casa (risos).

Clique aqui para acessar a entrevista original no site da Roadie Crew.