Mês: agosto 2007

Kamelot – Ghost Opera

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Por Daniel Dutra | Fotos: Divulgação

Quando alguém aparece com algo diferente, é normal que um monte de gente aproveite o vácuo para se aproveitar, e é aí o que negócio fica saturado. Para o esvaziamento é um pulo. Na música não chega a ser diferente. O Helloween surgiu em meados dos anos 80 com o power metal melódico, algo que a banda alemã continua, apesar de um deslize ou outro, fazendo muito bem até hoje. Só que vários grupos foram na onda, e a coisa ganhou uma proporção que ultrapassou o limite do suportável, pois em cada esquina dos mais diferentes países da Europa brotava um novo nome do estilo em busca do sucesso. O gênero foi mesmo popular no rock pesado, mas a quantidade de banda ruim era impressionante.

Formado pelo guitarrista Thomas Youngblood, o Kamelot precisou apenas da mudança de vocalista – saiu Mark Vanderbilt, entrou Roy Khan – para trilhar o caminho que o levaria ao posto de melhor banda desse power metal melódico, agora com toques sinfônicos. E chega a ser irônico que o diferencial tenha vindo de uma banda americana, com a adição de um norueguês para assumir o microfone. É bom ressaltar: assim como os Estados Unidos, a Noruega não tem tradição no estilo. Pelo contrário, é o berço de muitas bandas de black metal e foi um país fortemente marcado pelos problemas causados pelos seguidores do estilo (o movimento Inner Circle, queima de igrejas e coisas do tipo).


Ser o melhor no mar de mediocridade (sendo condescendente com os grupos que restaram e ainda têm algum cartaz) não significa tanto assim, por isso o Kamelot está onde está porque fez mesmo por merecer. E as coisas aconteceram passo a passo, com a recompensa vindo cinco discos depois. Lançado em 2005, a obra-prima The Black Halo abriu definitivamente as portas para o Kamelot. Reverenciado pela imprensa especializada, o grupo fez mesmo uma turnê mundial (sim, passou até pelo Brasil) e finalizou o ciclo com um espetacular DVD duplo, One Cold Winter’s Night, acompanhado do CD homônimo (também duplo).


Não à toa, o novo álbum, Ghost Opera, foi lançado cercado de expectativas. Todas foram superadas. Com a efetivação do tecladista Oliver Palotai, o Kamelot voltou a ser um quinteto – Casey Grillo (bateria) e Glenn Barry (baixo) completam a formação – e mostrou que entrosamento não é problema num time tão bem azeitado. Depois da introdução Solitaire, a maravilhosa Rule the World causa o mesmo impacto de March of Mephisto, um dos clássicos do disco anterior. Nada de bumbos à velocidade da luz, mas sim um riff esperto, teclados bem sacados e um andamento empolgante andando lado a lado com um trabalho vocal em que não há cabe nenhuma crítica negativa – Khan, diga-se, é o melhor dos “pupilos” de Geoff Tate (Queensrÿche), tanto nos trejeitos vocais como em cima do palco.


Os elementos básicos do metal melódico aparecem em Up from the Ashes, Silence of the Darkness e na faixa-título, mas usados com elegância e sem exageros. Ou seja, estão lá as quebras de ritmo e um trabalho mais inteligente de guitarra. Khan aproveita para dar um show em Anthem, enquanto Amanda Sommerville ajuda a dar brilho a Mourning Star, Ghost Opera e Love You to Death (muito, muito bonita), e Simone Simons (Epica) empresta sua bela voz à ótima Blücher. A qualidade do material é tanta que até mesmo a faixa bônus da belíssima edição digipack, The Pendulous Fall, é de tirar o fôlego – e esta mesma edição vem com um DVD com o making of e o videoclipe de Ghost Opera (a música).


Resenha escrita para a edição 135 do International Magazine, de agosto de 2007, mas que acabou não sendo publicada.

After Forever – After Forever

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Por Daniel Dutra | Fotos: Divulgação

Quando lançou seu primeiro trabalho, Prison of Desire (2000), o After Forever nada mais era do que uma entre as várias bandas com vocais femininos. A febre de grupos com vocal soprano, no que se convencionou chamar de gothic metal, foi uma das mais fortes dentro do rock pesado dos anos 90 para cá. Muita gente tentando um lugar ao sol, mas poucos com talento suficiente para tanto. E apesar de os dois primeiros álbuns (o segundo, Decipher, chegou às lojas no ano seguinte) terem feito a banda conquistar uma base razoável de fãs, é difícil acreditar que os holandeses não estariam fadados ao esquecimento não fosse a saída do guitarrista Mark Jansen, ironicamente um dos principais compositores.

O miniálbum Exordium (2003), já com o ex-roadie Bas Maas no lugar de Jansen, começou a apontar o caminho para o futuro do After Forever. Com menos pompa e soando mais pesado e direto, o grupo foi crescendo a cada CD – os ótimos Invisible Circles (2004) e Remagine (2005) vieram na sequência – até atingir seu ponto mais maduro. O novo álbum, autointitulado, é um primor dentro do metal contemporâneo, e o sexteto – completado por Sander Gommans (guitarra e vocais guturais), Joost van den Broek (teclados), Luuk van Gerven (baixo), Andre Borgman (bateria) e a excepcional Floor Jansen (vocais) – prova que soube renovar seu som sem atingir sua integridade. Um feito, sem dúvida, pois bandas infinitamente maiores, como o Metallica, estão num mar de lama há bastante tempo por conta da tal evolução musical.


Os espaços para os vocais sopranos estão cada vez menores, e assim Floor pode mostrar uma faceta diferente de sua voz. De uma maneira ou de outra, está cantando que é uma barbaridade. Mas a linha mais direta, na verdade, nada tem a ver com a simplicidade. O instrumental está mais intrincado, muitas vezes próximo do prog metal (cortesia de Broek, que se tornou o parceiro definitivo de Gommans nas composições), vide os pouco mais de 11 minutos da ótima Dreamflight. Não à toa a banda contou com a participação da Orquestra Filarmônica de Praga, que contribuiu para enriquecer ainda mais a sua música. Uma decorrência natural da maturidade apresentada em faixas como Discord, a pesada e rápida Transitory, Envision e a excelente Equaly Destructive, todas com quebras certeiras de andamento, melodias vocais impecáveis e bons riffs de guitarra.

Apesar da ausência de solos, Gommans e Maas fizeram um ótimo trabalho, mas em De-Energized abrem a guarda para Jeff Waters, o líder do Annihilator, brilhar em solos que se encaixaram muito bem – e os vocais de Gommans dão o contraponto perfeito para a beleza da voz de Floor. A vocalista, aliás, também divide os holofotes com outra participação especial. Na ótima Who I Am, alterna as frases da letra com Doro Pesch. E não dá mesmo para deixar de voltar ao assunto. Só mesmo uma atuação de gala para se destacar num trabalho tão coeso e homogêneo, mas Floor consegue com tranquilidade, principalmente nas baladas Cry With a Smile e Empty Memories, em que sua atuação chega a ser covardia. E ela ainda carrega nas costas a excelente Energize Me, primeiro single do disco e, potencial radiofônico lá no alto da escala, hit certo.


Resenha publicada na edição 135 do International Magazine, em agosto de 2007

Rush – Snakes & Arrows

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Por Daniel Dutra | Fotos: Divulgação

Há muito tempo havia perdido qualquer resquício de entusiasmo ao ouvir um novo disco do Rush. Na verdade, não me animava nem mesmo para tomar a iniciativa de correr atrás. Sim, sou um daqueles chatos que acham que Geddy Lee, Alex Lifeson e Neil Peart pararam no início dos anos 80 – bom, sou um pouco menos turrão, pois acredito que houve vida depois de Moving Pictures (1981), já que Signals (1982) é um disco bem legal, e Grace Under Pressure (1984) e Power Windows (1985) têm ótimos momentos. Claro, não deixei de ir ao Maracanã assistir ao show carioca da primeira (e até hoje única) turnê brasileira do trio canadense (confira como foi), e até hoje me emociono com 2112, YYZ, Closer to the Heart, Limelight, La Villa Strangiato e The Spirit of Radio ao colocar o DVD Rush in Rio para rolar (clique aqui para ler a resenha).

Pois bem, ouvi que Snakes & Arrows merecia uma chance. Vá lá que o mesmo foi dito de Counterparts (1993), Test for Echo (1996) e Vapor Trails (2002), todos uma tentativa de voltar a soar mais rock, mais Rush sem tantos sintetizadores, programações e baterias eletrônicas. Havia escutado os álbuns em questão, sim, mas nenhum deles empolgou por inteiro. O Rush continuava lançando discos com duas ou três grandes músicas em cada um deles. Apenas isso. E não é que agora foi diferente? Demorou 25 anos, mas enfim a espera acabou.

Snakes & Arrows não é, que fique bem claro, um álbum para se colocar ao lado de pérolas como Fly By Night (1975), 2112 (1976), A Farewell to Kings (1977), Hemispheres (1978) ou do já citado Moving Pictures. Mas é o Rush finalmente soando relevante, soando como o Rush poderia soar no século XXI. Enfim, um disco orgânico sem parecer forçado. Um disco agradável de ouvir. Finalmente. O começo com Far Cry não poderia ser melhor, já que traz os ingredientes que fizeram dela a primeira música de trabalho (é fácil de cantar, por exemplo), mas apresenta peso na medida certa, com uma linha de baixo espetacular – o que, aliás, é também a tônica nas instrumentais The Main Monkey Business e Malignant Narcissism. Imagine Dave Mustaine tocando aqueles riffs intrincados do Megadeth sem precisar ter de cantar… Mal comparando, é por aí mesmo.


Na outra instrumental do CD, o dono da bola é Lifeson. Hope mostra o guitarrista num inspirado momento acústico, mas ele dá as cartas em Spindrift, Bravest Face e We Hold on, provando mais uma vez a injustiça que é ser subestimado por muita gente. O cara desfila classe e elegância nas seis cordas sem precisar de várias notas por segundo. E ninguém está esquecendo de Peart, o gênio das baquetas que faz da bateria um verdadeiro instrumento de percussão, por mais paradoxal que isso possa soar.

Sim, ele dá uma aula em todo o disco, mas Snakes & Arrows é um trabalho de três músicos brilhantes que colocam as composições em primeiro lugar – Workin’ Them Angels e The Way the Wind Blows, por exemplo – e, desta vez, trouxeram aquela dose extra de qualidade que sempre marcou o Rush. Duvida? Faithless e Good News First não escondem uma queda por aquilo que o grupo passou a fazer a partir de meados da década de 80, mas sem precisar de recursos eletrônicos em demasia. Não deveria ser tão difícil agradar a um grupo de fãs tão ranzinzas, no qual eu me incluo, mas valeu a penas esperar.


Resenha publicada na edição 135 do International Magazine, em agosto de 2007

Ozzy Osbourne – Black Rain

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Por Daniel Dutra | Fotos: Divulgação

Seis anos separam Black Rain do disco anterior de inéditas de Ozzy Osbourne, Down to Earth (2001). Mas o Madman se manteve na ativa durante este hiato não apenas com o reality show “The Osbournes”, que começou com episódios de chorar de rir e terminou de maneira patética, muito graças ao modo como a filha Kelly, desprovida de talento, se relacionava com o pai. Musicalmente, o ao vivo Live at Budokan (2002), a caixa com quatro CDs Prince of Darkness (2005) e o álbum de regravações Under Cover (2005) mantiveram o nome de Ozzy nas manchetes. No entanto, nada muito significante.

O novo disco, então, deveria ser o que os fãs estavam esperando há tanto tempo, principalmente porque Zakk Wylde, que ficou fora do processo criativo no trabalho anterior, acumulou as seis cordas com o posto de compositor. Mas é o produtor Kevin Churko quem assina todas as faixas ao lado do veterano vocalista, uma vez que Wylde não tem participação em duas canções, The Almighty Dollar e Trap Door Nada que fizesse o guitarrista soltar o verbo, como fez publicamente ao dizer que não entendia por que o chefão havia trabalhado com o líder do Foo Fighters, Dave Grohl, no processo de composição do disco anterior – e ele não foi necessariamente diplomático em suas declarações. Enfim, Black Rain não apresenta nada diferente do que vem sendo feito por Ozzy nos últimos anos. Pior: a única mudança assustou os fãs.


Black Rain é um disco moderno. Não que chegue a ser uma tentativa de soar igual a bandas como Korn e Linkin Park, ainda mais agora que, felizmente, o tnew metal não tem metade da força de alguns anos atrás. Só que a sensação de estranheza toma conta do ouvinte em músicas como Not Going Away, I Don’t Wanna Stop, The Almighty Dollar e Civilize the Universe. As duas primeiras, sejamos sinceros, empolgam em seus refrãos e numa atuação soberba de Wylde – sim, o cara ainda reina como o melhor guitarrista de heavy metal da atualidade. Riffs poderosos e solos espetaculares (no caso de I Don’t Wanna Stop, com uma pitada de Eddie Van Halen) estão espelhados em (quase) todo o CD. Só que, guitarras à parte, as canções trazem nas letras aquele papo chato de vocês-não-podem-me-julgar e ainda-vou-ficar-por-aqui-durante-muito-tempo. Já deu.

E também não é toda hora que Ozzy acerta nas baladas. Revelation (Mother Earth), Goodbye to Romance e Mama, I’m Coming Home se tornaram clássicos, mas lá se vai pelo menos uma década e meia desde que foram compostas. Lay Your World on Me e Here for You – no fim das contas, as duas são uma ode à esposa, Sharon – não convencem. Na verdade, são bregas até dizer chega. Mas é claro que nem tudo é de se jogar fora, como a faixa-título (com um fim meio Children of the Grave) e, principalmente, as duas canções que encerram o CD. Countdown’s Begun e Trap Door lembram o velho Ozzy, com a segunda chegando a remeter ao excelente The Ultimate Sin (1986).

As duas músicas, na verdade, encerram Black Rain no Brasil, Estados Unidos e Europa. O Japão, obviamente, ganhou duas faixas bônus, e elas são espetaculares. I Can’t Save You é rock pesado de primeira, empolgante e levada pela guitarra, enquanto Nightmare caberia muito bem em Diary of a Madman (1981). Sem exageros, uma das melhores composições de Ozzy nos últimos 25 anos. Para quem tem um graninha sobrando, vale o investimento.


Resenha publicada na edição 135 do International Magazine, em agosto de 2007